domingo, 5 de marzo de 2017

ARTE ROMANICO


  ARTE ROMÁNICO

     Fué  un estilo artístico predominante en Europa durante los siglos XI, XII y parte del XIII.
El arte románico fue el primer gran estilo claramente cristiano y europeo que agrupó a las diferentes opciones que se habían utilizado en la temprana Edad Media (romana, prerrománica, bizantina, germánica y árabe) y consiguió formular un lenguaje específico y coherente aplicado a todas las manifestaciones artísticas. No fue producto de una sola nacionalidad o región, sino que surgió de manera paulatina y casi simultánea en España, Francia, Italia, Alemania y en cada uno de esos países surgió con características propias, aunque con suficiente unidad como para ser considerado el primer estilo internacional, con un ámbito europeo.
Surge como consecuencia de la prosperidad material y de la renovación espiritual que inspiró la construcción de gran número de iglesias y de edificios religiosos. Las primeras construcciones se hicieron en Lombardía, Borgoña y Normandía. Desde allí se difundió por toda Europa, debido a:
  • Expansión de las órdenes religiosas (Cluny y Císter) que construyen monasterios. Estos son fuente de riqueza y centro cultural y urbano de la sociedad.
  • Las peregrinaciones (en España el románico se introduce a través del Camino de Santiago).
  • Aumento de la influencia de la iglesia.
Debido a las relaciones entre religiosos y nobles, los reyes, nobles, obispos y abades de los monasterios impulsaron la construcción de las grandes iglesias y a veces eran aldeanos quienes las costeaban y construían. Las obras las realizaban artesanos especializados como arquitectos, picapedreros, pintores, etc. El arte románico fue sobre todo un arte religioso, que reflejaba los valores de la nueva sociedad feudal, que a la vez era guerrera y cristiana.

Desde el siglo VIII, una serie de acontecimientos históricos posibilitaron la renovación y expansión de la cultura europea: la subida al trono de Francia de los Capetos, la consolidación y difusión del cristianismo, el inicio de la Reconquista en la península ibérica y, fundamentalmente, el cimiento de las lenguas románicas, son los hitos que marcaron este resurgimiento.
Alrededor del año 1000, una expansión generalizada en los ámbitos económico y cultural propició un importante crecimiento demográfico en las sociedades occidentales, roturándose nuevas tierras y abriéndose antiguas rutas de comercio, que posibilitarán los caminos de peregrinación. Toda Europa se vio invadida por una auténtica fiebre constructiva; se había conseguido formular un arte capaz de representar a toda la cristiandad: el románico.
El término "románico", como concepto que define un estilo artístico, lo utilizó Charles de Gerville por primera vez en 1820 considerando con este término todo el arte que se realiza anterior al estilo gótico desde la caída del Imperio romano; y por analogía al término ya conocido de lenguas románicas, el arte románico sucedía al arte antiguo tal y como las lenguas románicas eran las sucesoras del latín.
Posteriormente, la acepción de arte románico se fue restringiendo y pasó a designar el arte desarrollado en Occidente entre los siglos XI y XII, aunque todavía hoy siguen las controversias para determinar con exactitud la amplitud de espacio y tiempo que abarca este estilo.
En la definición de este primer arte europeo, es fundamental la reforma monacal que realizó la orden cluniacense como resultado de una revisión en profundidad de las comunidades benedictinas. El monasterio de Cluny, fundado en el año 930, se convierte en el gran centro difusor de la reforma, alcanzando rápidamente una gran expansión y consiguiendo, a través de sus monasterios, que el arte románico se difundiera por todo el mundo cristiano europeo. Antes de que la orden de Cluny capitalizara y extendiera, el románico ya se había desarrollado en Italia, en la región de Como: el llamado románico lombardo o primer románico, concepto debatido, debido a Puig Cadafalch, que se aplica a su extensión a los reinos hispano-cristianos, especialmente al románico catalán y el románico aragonés, con menor incidencia en el románico castellano-leonés.

Románico español

Iglesia de San Martín de Frómista.
Panteón de los Reyes de la Basílica de San Isidoro de León.
Porta Speciosa del Monasterio de Leyre.
Claustro del monasterio de Santo Domingo de Silos.
Canecillos de la iglesia de San Juan Bautista de Villanueva de la Nía.
En los condados catalanes se hicieron los primeros abovedamientos de las iglesias españolas. Algunas características del importante arte románico catalán son:
  • Empleo del arco de medio punto
  • Piedra escuadrada pero no pulida
  • Cabeceras de semitambor adornadas con arquillos y bandas rítmicamente dispuestas (arcos o bandas lombardas)
  • Los templos se cubren con bóvedas pétreas de cañón y horno
  • Las naves son más amplias y elevadas, al menos en comparación con antiguos edificios prerrománicos
  • Se emplean los pilares como sustentación
  • No hay figuración escultórica
La época dorada del estilo por su calidad y belleza (románico pleno), se extiende en la última mitad del siglo XI y la primera del XII, procedente de Francia y transmitido fundamentalmente a través del Camino de Santiago. Floreció en el reino de Castilla, sobre todo.
  • Escultura en fachadas
  • Puertas monumentales
  • Ventanas de medio punto con abocinamiento
  • Canecillos a menudo decorados.
Durante la segunda mitad del siglo XII y la primera mitad del siglo XIII, a medida que las soluciones arquitectónicas se afianzan y mejoran, surge el tardorrománico. Una de sus expresiones es el llamado arte cisterciense, que se expande con las abadías de la orden del Císter, expresando las concepciones estéticas y espirituales de Bernardo de Claraval (ausencia de ornamentación y reducción a los elementos estructurales).
En los condados catalanes, el románico tendrá características propias. De influencia lombarda, crearán las bóvedas de cañón en las naves con arcos ojivales en los espacios menores y en las cúpulas. El primer periodo está marcado por la austeridad que dará paso a la majestuosidad.
  • Monasterio de Sant Llorenç del Munt
  • Monasterio de Sant Cugat de San Cugat del Vallés
  • Iglesia de San Vicente de Cardona
  • La catedral de Gerona
  • Las Iglesias románicas del Valle de Bohí situadas en la comarca de la Alta Ribagorza, (Provincia de Lérida) y declaradas Patrimonio de la Humanidad.
En el resto de España, el románico floreció en los territorios cristianos, al amparo de la ruta de peregrinación jacobea. El románico español es uno de los más ricos y variados de Europa. Son particulares los influjos islámicos, catalanes, franceses, lombardos y visigodos que se amalgamaron para crear un estilo propio. Muchos y muy importantes son los monumentos que se conservan, destacándose dos focos principales, centrados en Castilla y Aragón. Sin duda, la obra fundamental del románico hispano es la Catedral de Santiago de Compostela, modelo de iglesia de peregrinación, con conjuntos escultóricos (Pórtico de la Gloria) de entre los más singulares de Occidente. A lo largo del Camino de Santiago fueron surgiendo algunos de los hitos románicos en suelo español, como la catedral de Jaca, San Martín de Frómista o San Isidoro de León. Desde allí irradiaría el estilo a zonas más alejadas, expandiéndose por todo el norte peninsular.
En la actualidad, algunos de los mejores conjuntos románicos de España se concentran en Castilla y León:
  • La Real Basílica de San Isidoro de León, considerado uno de los mejores conjuntos románicos de España. Contiene la llamada Capilla Sixtina de este estilo: el Panteón de los Reyes, decorado con un importantísimo ciclo pictórico.
  • El románico palentino (candidato a ser declarado Patrimonio de la Humanidad), destacando la comarca de Aguilar de Campoo (Palencia), con multitud de iglesias rurales. Más al sur se encuentra la iglesia de San Martín de Frómista, uno de los monumentos más completos del románico europeo. La provincia de Palencia cuenta con el mayor número de iglesias románicas de España.
  • La ciudad de Zamora, con una veintena de monumentos románicos, desde el siglo XI al XIII, incluyendo la Catedral, con su original cimborrio.
  • La ciudad de Ávila, con decenas de monumentos románicos, destacando la basílica de san Vicente; la Unesco declaró los monumentos románicos de la ciudad Patrimonio de la Humanidad.
  • El llamado Grupo de los Cimborrios del Duero; lo componen la Catedral de Zamora, la Catedral Vieja de Salamanca, la Colegiata de Toro, y la Catedral Vieja de Plasencia.
  • La ciudad de Segovia cuenta con un destacable conjunto de iglesias, destacando las características torres y pórticos que singularizan el Románico segoviano.
  • El Románico de la Sierra de la Demanda comprende una serie de monumentos religiosos que se encuentran en la zona de la Sierra de la Demanda, provincias de Burgos y La Rioja (España), entre ellos destaca el monasterio de santo Domingo de Silos con un magnífico claustro.
  • La ciudad de Soria conserva algunos conjuntos interesantes: el claustro de la concatedral de san Pedro, la iglesia de Santo Domingo, la iglesia de San Juan de Rabanera y, sobre todo, las ruinas del monasterio de San Juan de Duero.

Románico francés

Interior de la iglesia de la abadía de Notre-Dame de Fontgombault.
El románico alcanzó gran vigor y difusión gracias al Monasterio de Cluny (desaparecido en su mayor parte), centro irradiador del nuevo arte. Surgieron varias escuelas o centros artísticos, cada uno con características particulares y propias. Algunos de los monumentos más destacados son:
  • La basílica de Saint-Sernin de Toulouse, representante del arte románico auvernés
  • La iglesia abacial de santa Fe de Conques
  • La basílica de la Magdalena, en Vézelay
  • San Trófimo, en Arlés, destacable por su conjunto escultórico
  • La Catedral de San Pedro de Angulema, en Angulema.
  • Notre-Dame-la-Grande, en Poitiers
  • La Abadía Notre-Dame de Fontgombault
  • La Abadía de Saint-Savin-sur-Gartempe, con uno de los conjuntos pictóricos más relevantes del románico francés.

Románico alemán

El románico siguió la estela del arte otoniano, creando conjuntos arquitectónicos de gran monumentalidad, muchos de los cuales aportan soluciones completamente novedosas, como la solución de «doble cabecera» o Westwerk. Podemos citar entre los más señeros:
  • Las catedrales de Worms, Maguncia y Espira
  • La iglesia de santa María del Capitolio en Colonia
  • La Abadía de Santa Maria Laach (Renania-Palatinado)
Iglesia de Ják, en Hungría, construida en el siglo XIII.

Románico húngaro

El arte románico evolucionó bajo una fuerte influencia germánica, pues luego de que los húngaros fueron cristianizados en el año 1000, paulatinamente recibieron a muchos nobles y clérigos alemanes que arribaron al reino para ocupar cargos eclesiásticos y militares. Para mediados del siglo XI resultaba frecuente en basílicas húngaras y claustros el uso de ábsides cerradas con tres arcos semicirculares colocadas en lugares con tres naves sostenidas por pilares que descansaban en soportales, caracterizado por estar cubierto por una armadura abierta, a excepción de la semicúpula que cubría el ábside. Fue muy común este estilo en las estructuras religiosas de:
  • La catedral de Vác construida por el rey Géza I de Hungría alrededor de 1074.
  • La iglesia benedictina de Garamszentbenedek construida también por órdenes del rey anterior cerca de 1075.
  • La abadía de San Edigio en Somogyvár, fundada por el rey San Ladislao I de Hungría en 1091.

Románico italiano

La herencia clásica y paleocristiana se dejó sentir profundamente. Como aportación original, surgió allí el «estilo lombardo», un arte prerrománico que se extedería después por otras regiones como Cataluña o Provenza. Los edificios románicos italianos se distinguen por su suntuosidad y decorativismo, a la vez que por su claridad estructural. Algunos de los más destacados son:
  • La catedral de Parma
  • La basílica de San Ambrosio de Milán
  • La basílica de San Zenón de Verona
  • La basílica de San Miguel de Pavía
  • Las catedrales de Trento y Módena
  • La basílica de San Miniato al Monte, en Florencia
  • Sin duda, el monumento románico más difundido de Italia es la catedral de Pisa, excepcional conjunto que incluye el baptisterio, el edificio catedralicio propiamente dicho y el campanario (Torre inclinada de Pisa).

ARTE BIZANTINO

¿Qué es el arte Bizantino?

     El arte bizantino es el arte que se desarrolló en el  imperio bizantino, desde el siglo IV, que se fue extendiendo a partir  del siglo VI por el Imperio Romano oriental, siendo la ciudad de Constantinopla, la capital del imperio romano del este, el centro artístico más importante de este período, siendo en el siglo XV cuando se extiende a los países de Este de Europa.

      En sus primeros momentos, el Imperio Bizancio  se consideró como el continuador natural del Imperio romano  siendo transmisor de formas artísticas que influyeron poderosamente en la cultura occidental medieval.
Es un arte subordinado al poder del emperador, y cuando éste adopta la religión cristiana, al poder de la religión también. Este arte manifiesta la presencia de tres influencias: la del cristianismo incipiente, la del racionalismo griego y la del Islam.
El arte bizantino se decía que era la magia que poseía un artista, su origen viene del siglo IV después de Cristo. Tuvo unos enlaces muy fuertes con el mundo helenístico y fue una evolución o mejor dicho una continuación del arte paleocristiano oriental. Este estilo de arte se desarrolló en el imperio romano de oriente donde brota hasta el siglo XV, una vez se desarrolla en otros países llega hasta el Este de Europa.Varios eventos afectan su desarrollo. Los más notables son: el movimiento iconoclasta del siglo VIII, y en el siglo XI, la ruptura entre la iglesia de oriente y la de occidente. Este arte produce una arquitectura monumental manifestada en sus iglesias, unos espléndidos mosaicos e impresionantes esculturas. Dos ciudades de particular interés para el arte Bizantino son Bizancio-Constantinopla y Ravena.

arte bizantino1 

Historia del arte Bizantino

        Este arte surgió por la división que hizo Teodosio a sus hijos, y le dejó a Arcadio el Imperio del Oriente, es por ellos por lo que comienza el Imperio Bizantino. Tras la caída del imperio romano que cae en poder de los bárbaros, hace que a capital del Imperio Bizantino se convierta en la capital de la cultura en el mundo occidental.  Es por eso por lo que nace este concepto de arte que posee influencias griegas, romanas, orientales y helenísticas.  Este tipo de arte se divide en cuatro etapas grandes en las cuales se muestra influencias.
  • Primera Edad de Oro del Imperio Bizantino: Va desde el año 527 al 726, en estos años aparece la iconoclasta.
  • Las discusiones iconoclastas: que se prolongaron desde el año 726 hasta el 843. Fue una discusión muy violenta en la que hubo una crisis artística, fue creada por los iconoclastas hacia los iconódulos.
  • Segunda Edad de Oro del Imperio Bizantino: Va desde el año 913 hasta el 1204, en el instante en que los cruzados devastan con Constantinopla.
  • Tercera Edad de Oro del Imperio Bizantino: Va desde el año 1261 hasta el 1453, esta edad surgen cuando los turcos conquistan Constantinopla.

Características principales del arte bizantino

  • Recibió influencia directa de la cultura grecorromana y oriental, principalmente de Siria y Asia menor, realizando una mezcla de estos diferentes aspectos culturales.
  • Estilo artístico con fuerte presencia del uso de colores.
  • Fuerte presencia de temas religiosos (dado el poder imperante del cristianismo).
  • Es un arte estático, que tiene a Cristo como tema central.
  • En Arquitectura se destacaron las basílicas con cúpulas, o las iglesias con forma de cruz griega, siendo una característica predominante el uso de arcos y capiteles decorados.
  • En el exterior continuaron usando el ladrillo y la piedra.
  • La influencia persa fue notable en época del emperador Justiniano.
  • Durante los siglos VII a IX  el arte bizantino empezó a tener  influencia del islamismo, ya que los árabes sitiaron Constantinopla en el año 674, durante el reinado de Justiniano II;

Pintura bizantina

En la pintura bizantina destacan los frescos, que son pinturas en las paredes, principalmente de iglesias, las miniaturas para ilustrar libros e iconos, pinturas en paneles. Predominó el tema religioso, como las  imágenes de Cristo y la Virgen María. Las principales técnicas fueron el mosaico, el temple sobre tabla, el fresco y la iluminación de manuscritos. Se distingue la pintura bizantina al mosaico por la riqueza de materiales, con abundancia de oro y fastuosa ornamentación con una  pobreza en el movimiento artístico. Las figuras de los personajes  se presentan muy  alargadas, en pie y con los brazos en una  actitud de movimiento o llevando algún objeto. Las vestimentas  con que aparecen cubiertas los personajes suelen ofrecer pliegues rectos y paralelos, casi verticales, solo el  manto o capa los representaban con movimiento y  recogido  sobre el brazo izquierdo de la figura. El rostro de las personas se representaba con una expresión majestuoso, tranquilo y honesto con una mirada, de frente o a la derecha del espectador y sus ojos, grandes y abiertos y por último sus pies, pequeños o estrechos y terminados en punta.

Arquitectura bizantina

En la arquitectura bizantina  podemos destacar la construcción de iglesias grandes e imponentes, cuya principal característica fue la presencia de cúpulas sostenidas por columnas, utilizando  decoraciones y pinturas religiosas, dentro de las iglesia. Es muy diversa y grandiosa, utilizando un plano de la basílica que se heredó de los romanos, un plano circular que se heredó de los martiria y la cruz se heredó de los griegos. Esta Arquitectura se caracteriza por multiplicar los arcos, las cúpulas, las columnas y las bóvedas para conseguir un tamaño mayor. La obra más destacada de la arquitectura bizantina es la Basílica de Santa Sofía  que está en Estambul.

BIBLIOGRAFIA:

ARTE BARROCO

ARTE BARROCO

Resultado de imagen para ARTE BARROCO     El barroco fue un periodo de la historia en la cultura occidental que produjo obras en el campo de la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura, la danza y la música, y que abarca desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente. Se suele situar entre el Renacimiento y el Neoclásico, en una época en la cual la influyente Iglesia Católica europea tuvo que reaccionar contra muchos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y una religión disidente dentro del propio catolicismo dominante: la Reforma protestante.
          Principalmente impulsada por Martín Lutero (Alemania 1483-1546); fue un teólogo, fraile católico agustino recoleto y reformador religioso alemán, en cuyas enseñanzas se inspiró la Reforma Protestante. Inauguró la doctrina teológica y cultural denominada luteranismo e influyó en las demás tradiciones protestantes.
             Su exhortación para que la Iglesia regresara a las enseñanzas de la Biblia; impulsó la transformación del cristianismo y provocó la Contrarreforma, como se conoce a la reacción de la Iglesia Católica Romana frente a la Reforma protestante. El joven Lutero se dedicó por completo a la vida del monasterio, empeñándose en realizar buenas obras con el fin de complacer a Dios y servir a otros mediante la oración por sus almas. Se dedicó con intensidad al ayuno, a las flagelaciones, a largas horas en oración, al peregrinaje y a la confesión constante. Estudió las Escrituras a profundidad, la Biblia y la Iglesia Primitiva. Estaba convencido que la Iglesia había perdido la visión de varias verdades centrales que el cristianismo enseñaba en las Escrituras. Se dio cuenta entre otras cosas; de los efectos de ofrecer indulgencias (remisión parcial o total del castigo temporal que aún se mantiene por los pecados después de que la culpa a sido eliminada por la absolución). En aquella época, cualquier persona podía comprar una indulgencia, ya fuera para si misma o para sus parientes muertos que permanecían en el Purgatorio; dejando de lado la confesión y el arrepentimiento verdadero. El Papa lo acusó de herejía ( error en materia de fe, sostenida con pertinacia). Condenaba la avaricia y el paganismo en la Iglesia como un abuso. Su matrimonio con Catalina Bora en 1525, inició un movimiento de apoyo al matrimonio sacerdotal dentro de muchas corrientes cristianas.
Resultado de imagen para ARTE BARROCO           La corrupción se estaba introduciendo en la Iglesia Católica, y para mejorar el ejercicio de este gobierno, las altas esferas eclesiásticas dominantes en Roma hubieron de depurar su cúpula. Este estado de cosas trae importantes consecuencias sobre el arte desde el primer momento. La Iglesia, antes que las monarquías absolutistas; fue la primera en comprender el poder ilimitado del arte como vehículo de propaganda y control ideológico. Por esta razón contrata grandes cantidades de artistas; a los mejores pero también a muchos de segunda fila, que aumentan los niveles de producción para satisfacer las demandas de la gran base de fieles.
        Se exige a todos los artistas que se alejen de las elaboraciones sofisticadas y de los misterios teológicos, para llevar a cabo un arte sencillo, directo, fácil de leer, que cualquier fiel que se aproxime a una iglesia pueda comprender de inmediato. Los personajes han de ser cercanos al pueblo: los santos dejan de vestir como cortesanos para aparecer casi como pordioseros, con rostros vulgares. El énfasis de la acción ha de colocarse sobre el dramatismo: la consigna fue ganar al fiel a través de la emoción. Las escenas se vuelven dinámicas, lejos del hieratismo intemporal de los estilos anteriores. Las composiciones se complican para ofrecer variedad y colorido. Las luces, los colores, las sombras se multiplican y ofrecen una imagen vistosa y atrayente de la religión y sus protagonistas.
       Fuera del patrocinio de la Iglesia, los mecenas privados se multiplican: el afán de coleccionismo incita a los pintores a llevar a cabo una producción de pequeño o mediano formato para aumentar los gabinetes de curiosidades de ricos comerciantes y alta nobleza.
Cómo estilo artístico el barroco surgió a principios del s.XVII y de Italia se irradió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (s.XVIII y XIX) el término barroco tuvo un sentido peyorativo, con el significado de recargado, desmesurado e irracional. Después fue usado con un sentido despectivo, para subrayar el exceso de énfasis y abundancia de ornamentación.

EL Barroco como movimiento cultural.

Resultado de imagen para ARTE BARROCO       El barroco expresó nuevos valores. Representa un estado de ánimo diferente, más cerca del Romanticismo que del Renacimiento, aún cuando es un movimiento que nace al mismo tiempo que este último en algunos países. El dolor psicológico del hombre, se puede encontrar en el arte barroco en general. Todo fue enfocado alrededor del Hombre individual, como una relación directa entre el artista y su cliente.
Cada una de las Bellas Artes tiene representantes en este movimiento cultural:
  • En Música sobresalen Antonio Vivaldi y Johann Sebastián Bach.
  • En Literatura española, Luis de Góngora y Francisco de Quevedo y Villegas;             en literatura española americano destaca principalmente Sor Juana Inés de la Cruz.
  • En Pintura italiana están Caravaggio, Pietro da Cortona y los Carracci.
  • En la Escultura italiana el exponente más célebre del barroco es Bernini.
  • En la Arquitectura: Bernini y Barromini. 

MÚSICA

       La música barroca, abarca desde el nacimiento de la Opera en el s.XVI (aproximadamente en 1585) hasta la mitad del s.XVIII (aproximadamente hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750).
Se trata de una de las épocas musicales más largas, fecundas, revolucionarias e importantes de la música occidental, así como la más influyente. Su característica más notoria es probablemente el uso del bajo continuo y el monumental desarrollo de la armonía tonal, que la diferencia profundamente de los anteriores géneros modales.
Formas vocales:
  • Ópera: poema dramático, con acompañamiento de música y cuyo texto es todo cantado.
  • Oratorio: drama musical de asunto religioso.
  • Cantata: composición poética cantable.
  • Pasión
Formas instrumentales:
  • Fuga: composición que gira sobre un tema repetido en diferentes tonos.
  • Suite: serie de piezas instrumentales escritas en el mismo tono.
  • Sonata: composición de música instrumental, compuesta de tres y a veces cuatro trozos de carácter diferente.
  • Concerto grosso: concierto para más de 2 solistas, acompañados por la orquesta.
Autores importantes: A.Vivaldi, S.Corelli, T.Albinoni, J.S.Bach, H.Purcell, G.H.Händell, P.Rameau.

LITERATURA

         El barroco trae consigo una renovación de técnicas y de estilos. Es abundante el uso de la Metáfora y la Alegoría.
Los poetas barrocos del siglo XVII, siguieron mezclando estrofas tradicionales con las nuevas, así cultivaron el terceto, el cuarteto, el soneto y la redondilla. Se sirvieron de copiosas figuras retóricas de todo tipo, buscando una disposición formal recargada. No supone una ruptura con el clasicismo renacentista, en busca de una complicación ornamental, en busca de la exageración de los recursos dirigidos a los sentidos, hasta llegar a un enquistamiento de lo formal.
En este siglo XVII en que aparece el movimiento barroco se intensifican los tópicos que ya venían dándose en el Renacimiento, pero en especial más negativos: fugacidad de la vida, rapidez con que el tiempo huye, desaparición de los goces, complejidad del mundo que rodea al hombre, etc.
La Literatura del s.XVI se expresaba en un estilo sereno y de equilibrio; el barroco del s.XVII viene a desestabilizar esa serenidad y diversas fuerzas entran en conflicto. Estas características se dan en toda Europa y en cada país toman un nombre diferente:
  • Eufuismo le llaman los poetas ingleses.
  • Preciosismo en Francia.
  • Marinismo en Italia.

ESCULTURA

          La escultura barroca se desarrolla a través de las creaciones arquitectónicas, sobre todo en estatuas, y también en la ornamentación de ciudades en plazas, jardines o fuentes. En España también se manifestó en imágenes religiosas talladas en madera, en la llamada imaginería que esperaba despertar la fe del pueblo.
Características generales: 
  1. Tendencia a la representación de la figura humana con una objetividad perfecta en todos sus aspectos, tanto en lo más sublimes como los más vulgares.
  2. Realización de esquemas libres del geometrismo. Se proyecta hacia afuera. Se manifiesta en la inquietud de los personajes, en las escenas y en la amplitud y ampulosidad del ropaje.
  3. Representación del desnudo en su estado puro, como una acción congelada, conseguido con el influjo de la composición asimétrica, donde predominan las diagonales, los cuerpos sesgados y oblicuos, la técnica del escorzo (reducción del largo de una figura, según la regla de la perspectiva) y los contornos difusos e intermitentes, que dirigen la obra hacia el espectador con un gran expresionismo.
  4. Se utiliza preferentemente la madera, el mármol, etc.
       En Italia, la cuna del arte barroco, destaca el escultor Gian Lorenzo Bernini, que domina con perfección la técnica que aprendió de su padre Pietro Bernini, escultor manierista, y el estudio de los modelos clásicos y renacentistas. Eclipsó al resto de artistas y fue considerado el Miguel Ángel del s.XVII. Acostumbraba a representar las figuras de sus obras en el momento de máxima tensión y a usar el desnudo en sus composiciones. Bernini es el intérprete de la Contrarreforma católica. Posee fuertes influencias helenísticas. Su escultura se caracteriza por la teatralidad compositiva, que resuelve en escenas. Es un gran arquitecto, por lo que pone la escultura al servicio de la arquitectura.
      La influencia de Bernini se extiende al s.XVIII con escultores como Pietro Bracci: Fontana de Trevi, Triunfo de Neptuno; Fillippo della Valle: Anunciación; Camilo Rusconi: Juan, en San Juan de Letrán, o René Michel Slodtz: San Bruno.

ARQUITECTURA

      Se desarrolla desde el principio del s.XVII hasta dos tercios del s.XVIII. En esta última etapa se denomina estilo rococó. Se manifiesta en casi todos los países europeos y en lo que eran por aquel entonces los territorios de España y Portugal en América, hoy países independientes. Juega un papel muy importante creando un ambiente propicio de una ciudad rica, justamente la pretensión de los artistas barrocos. 
El paradigma de este estilo se halla en las reconstrucciones del Versalles. Los materiales de construcción son pobres sin ningún valor, pero dan la sensación de monumentalidad y majestuosidad sinuosa de la arquitectura barroca. Se juega un poca con la falsedad, aunque eso no quiere decir que no se emplearan materiales ricos. De hecho surgieron las Manufacturas reales donde se manufacturaron productos de calidad como el vidrio de Carrá, las alfombras pérsicas, las cerámicas u otros. 
El grandiosismo es una cualidad típica Barroca que está claramente reflejada en la Plaza de San Pedro. Los arcos se utilizan de formas variadas y las cúpulas son el elemento por excelencia del arte Barroco.

PINTURA

       Durante el Barroco la pintura adquiere un papel prioritario dentro de las manifestaciones artísticas. Siendo la expresión más características del peso de la religión en los países católicos y del gusto burgués en los países protestantes.
Se desarrollan nuevos géneros como los bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas, así como se enriquece la iconografía de asunto religioso. Existe una tendencia y una búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.
       Se caracteriza por el gran drama, los colores ricos e intensos, y fuertes luces y sombras. En oposición al arte renacentista, que normalmente mostraba el momento anterior a ocurrir cualquier acontecimiento, los artistas barrocos elegían el punto más dramático, el momento en que la acción estaba ocurriendo: Miguel Ángel, que trabajó durante el Alto Renacimiento, muestra a su David compuesto y quieto antes de luchar contra Goliat; el David barroco de Bernini es captado en el acto de lanzar la piedra contra el gigante. Pretendía evocar la emoción y la pasión en lugar de la tranquila racionalidad que había sido apreciada durante el Renacimiento.
La pintura barroca a menudo dramatiza las escenas usando los efectos lumínicos del claroscuro. La luz se convierte en un elemento fundamental.
Entre los más grandes pintores del período barroco se encuentran: Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Hals, Vermeer, Velázquez y Poussin. 
CARAVAGGIO (Miguel Ángel Merisi): Célebre pintor italiano 1573-1610. Su estilo atrevido y crudo, pero vigoroso; lo convierte en uno de los maestros del realismo. Sobresalió en el claroscuro. “Baco” es su obra más famosa; en “La conversión de San Pablo”, Caravaggio confirma su maestría en el manejo de la luz.
REMBRANDT (Harmenszoon Van Rijn). Pintor y grabador holandés 1606-1669. Su obra se compone de unos 350 cuadros y el mismo número de aguafuertes (lámina o grabado al aguafuerte). Uno de los más grandes pintores de todas las épocas; por la riqueza deslumbrantes de su pincel, la delicada armonía de sus composiciones, la maestría de los efectos de la luz y los dramáticos claroscuro, y por la intensidad y realismo de las figuras. Entre sus obras encontramos: “Tobías y su familia”; “El Samaritano”; “Los peregrinos de Emaús”; “Ronda nocturna”; “Lección de anatomía”; “Los Girasoles”; autorretratos etc.
RUBENS (Pedro Pablo), pintor flamenco 1577-1640 que se distingue por la libertad de su técnica portentosa, maestría en el dibujo y alegre cromatismo. Desempeñó misiones diplomáticas en España y pintó para Felipe IV. Influyó poderosamente en la pintura flamenca de su siglo. Entre sus obras podemos citar: “El descendimiento de la Cruz”; “San Jerónimo”; “Retrato de Elena Fourment”; “Descanso en la huida a Egipto”; “El juicio de París”; “Las tres Gracias”; “La adoración de los Reyes”; “Felipe III a caballo” etc.
HALS (Frans), pintor flamenco 1580-1666. Autor de retratos y de cuadros de costumbres; tratados con espontaneidad, con coloridos osados. Sus obras se conservan en Haarlem donde vivió. Obras: “Pareja de esposos”; “La milicia cívica de San Jorge (y San Adrián)”; “Las rectoras y los (rectores,) del asilo de ancianos”; “La cíngara o La Gitanilla”, el más conocido de sus retratos de tipos populares, uno de los mejores conservados y sin embargo uno de los más desconocidos, por el público.
VERMEER (Juan), llamado también Van der Meer, pintor holandés 1632-1675, uno de los más grandes pintores del s.XVII; autor de paisajes (“Vista de Delft”), hermosos interiores y de algunos retratos (“La encajera”).
VELAZQUEZ (Diego Rodríguez De Silva), pintor español nació en Sevilla 1599-16660. Estudió dos veces en Italia, donde asimiló la técnica de los grandes maestros, sin perder por ello su estilo propio. Retratista atrevido, autor de obras de maravillosa ejecución, de colorido y relieve admirables. Velázquez es el pintor más original y perfecto de de la escuela española. Entre sus obras más notables merecen citarse: “Los Borrachos”; “Las Hilanderas”; “Las Meninas”; “La Rendición de Breda”; “La adoración de los Magos”; “La fragua de Vulcano”; “La Venus del espejo”, los retratos de Felipe IV, de las Infantas, de Inocencio X etc. Fue pintor de la Corte de España.
POUSSIN (Nicolás), pintor francés 1594-1665. Influido al principio por Tiziano, evolucionó más tarde hacia un clasicismo cada vez más puro. Su influencia fue considerable en el s.XVII. Algunas de sus obras son: “Los pastores de Arcadia”; “Bacanal”; “La Primavera”; “Santa Cecilia” etc.
 
 
BIBLIOGRAFIA:
 
http://desarrollodelarte.blogspot.com/2010/10/el-arte-del-periodo-barroco.html
 
 

ARTE PALEOCRISTIANO

Arte paleocristiano

Se denomina arte paleocristiano al estilo de arte que se desarrolla durante los seis primeros siglos de nuestra era, desde la aparición del cristianismo, durante la dominación romana, hasta la invasión de los pueblos bárbaros, aunque en Oriente tiene su continuación, tras la escisión del Imperio, en el llamado arte bizantino.
En Occidente, Roma es el centro y símbolo de la cristiandad, por lo que en ella se producen las primeras manifestaciones artísticas de los primitivos cristianos o paleocristianos, recibiendo un gran influjo del arte romano tanto en la arquitectura como en las artes figurativas. Lo mismo que la historia del cristianismo en sus primeros momentos, en el arte se distinguen dos etapas, separadas por la promulgación del Edicto de Milán por Constantino en el año 313, otorgando a los cristianos plenos derechos de manifestación pública de sus creencias.


Catacumbas


Representación del Buen Pastor en las Catacumbas de Priscila  (250-300), Roma.
Hasta el año 313, el arte escultórico de los cristianos se centró en la excavación de las catacumbas y el reforzamiento de sus estructuras. Estas eran cementerios romanos, excavados, en un principio, en los jardines de algunas casas de patricias cristianos, como las de Domitila y Priscila en Roma. Más tarde en el siglo V, y ante el aumento de creyentes, estos cementerios se hicieron insuficientes adquiriendo terrenos en las afueras de las urbes donde surgen los cementerios públicos, en los que se excavan sucesivos pisos formando las características catacumbas que ahora conocemos.
La primera vez que se aplicó el término catacumba es a la de San Sebastián en Roma, Italia El cementerio o catacumba (donde se encontraban los cuerpos sin vida)se organiza en varias partes: estrechas galerías (ambulacrum) con nichos longitudinales (loculi) en las paredes para el enterramiento de los cadáveres. En algunos enterramientos se destacaba la notabilidad de la persona enterrada, cobijando su tumba bajo un arco semicircular (arcosolium).
En el siglo IV en el cruce de las galerías o en los finales de las mismas se abrieron unos ensanchamientos (cubiculum) para la realización de algunas ceremonias litúrgicas. Las catacumbas se completaban al exterior con una edificación al aire libre, a modo de templete (cella memoriae) indicativa de un resto de reliquias que gozaban de especial veneración. Entre las catacumbas más importantes, además de las ya citadas, destacan las de San Calixto en Santa María de Trastevere, Santa Constanza y Santa Inés en Sant'Agnese in Agone, todas ellas en Roma, aunque también las hubo en Nápoles, Alejandría y Asia Menor.

Basílicas


Basílica de Aquilea.
      En los templos de culto paganos las procesiones y sacrificios se celebraban al aire libre y en el interior sólo estaba el altar del dios. Estos templos eran muy pequeños. En el Imperio de Constantino surgió la necesidad de utilizar edificios con mayor capacidad para el culto cristiano. Las nuevas iglesias cristianas necesitaban más espacio para contener a los fieles que se acercaban a orar dentro del templo. Es por eso que las iglesias no tomaron de modelo los templos paganos sino que tomaron las grandes salas de reuniones públicas que ya eran conocidas con el nombre de basílicas.
Por eso, a finales del siglo IV y a comienzos del siglo V, comenzaron a suprimirse las iglesias de formas irregulares para reemplazarlas por iglesias de forma regular, es decir, basílicas regulares, de tres naves con un ábside en uno de los lados menores y en el otro lado menor la entrada frente al coro. En todo el Imperio quedó asociado el concepto de iglesia con el de basílica.
Después del Edicto de Milán, a partir del año 313, la basílica es la construcción eclesiástica más característica del mundo cristiano. Su origen es dudoso, pues se la considera una derivación de la basílica romana, o se la relaciona con algunos modelos de casas patricias, o, incluso, con algunas salas termales. La basílica organiza su espacio, generalmente, en tres naves longitudinales, que pueden ser cinco, separadas por columnas; la nave central es algo más alta que las laterales, sobre cuyos muros se levantan ventanas para la iluminación interior. La cubierta es plana y de madera y la cabecera tiene un ábside con bóveda de cuarto de esfera bajo la que se alberga el altar.
En las grandes basílicas, como la de San Pedro y San Juan de Letrán, en Roma, la estructura de su cabecera se completaba con una nave transversal llamada transepto que buscaba el simbolismo de reproducir la cruz de Cristo en la planta del templo. Al edificio basilical se accede a través del atrio o patio rectangular (antecedente de los claustros), con una fuente en el centro, que conducía hasta el nártex o sala transversal, situada a los pies de las naves, desde donde seguían la liturgia los catecúmenos. Las basílicas más notables, además de las citadas, son la de Santa María la Mayor, San Pablo Extramuros y la de Santa Inés.
Otros edificios de carácter religioso fueron los baptisterios, edificaciones de planta poligonal, frecuentemente octogonal, que tenían en su interior una gran pila para realizar los bautismos por inmersión. El más conocido es el Baptisterio de San Juan de Letrán, en Roma, construido en tiempos de Constantino. También son de planta central algunos enterramientos que siguen la tradición romana; de planta circular con bóvedas es el Mausoleo de Santa Constanza y de planta de cruz griega es el Mausoleo de Gala Placidia en Rávena.
En el arte paleocristiano oriental se acusa la marcada tendencia a utilizar construcciones de planta de cruz griega, con los cuatro brazos iguales, como la Iglesia de San Simeón el Estilita.

Arte paleocristiano en España

El arte paleocristiano constituye la etapa final de la influencia romana. El cambio cultural que se opera durante los siglos II al IV tuvo en la Península poca vigencia, pues las invasiones de los pueblos germánicos se inician en el año 409. Pese a ello, y cada vez más, han aparecido abundantes testimonios de la vitalidad del arte paleocristiano hispano.
En arquitectura hay que citar las casas patricias de Mérida y Fraga, adecuadas al culto, en Ampurias, una basílica de una nave, en San Pedro Alcántara, en Málaga una basílica con dos ábsides contrapuestos, y en Lugo la iglesia subterránea de planta basilical de Santa Eulalia de Bóveda.
Edificios funerarios los hay en La Alberca, en Murcia y sobre todo el mausoleo de dos cámaras cubiertas por cúpulas en Centcelles (Tarragona).

Escultura


Sarcófago de Junio Basso, Roma, mediados del siglo IV d. C.
La escultura de la época se halla especialmente representada por los sarcófagos decorados con temas del Crismón, estrígilos, escenas bíblicas y representaciones alegóricas. Entre ellos se destacan el de Leocadius en Tarragona y el de Santa Engracia en Zaragoza. También se conservan algunas estatuas exentas, como varias con el tema del Buen Pastor, laudas sepulcrales y mosaicos que por su técnica y sentido del color siguen los modelos romanos.

Pintura

Características

  1. Se limitan a evocar un pequeño número de figuras y de diversos objetos.
  2. La variedad de colores es limitada.
  3. Es una pintura, que más que figurar, sugiere.
  4. Las figuras se dirigen al espectador. Normalmente están de frente, sin embargo no es lo mismo que frontalidad.
  5. La esencia de la divinidad es imposible de representar. Resulta difícil encontrar representaciones divinas, aunque a partir del s. IV podremos encontrarnos algunas representaciones.
  6. Desde un punto de vista formal es habitual la jerarquización de las figuras (siendo las figuras más importantes las más grandes), la perspectiva inversa (las figuras que están detrás tienen mayor tamaño), la desproporción, el interés en el gesto y, excepcionalmente, el desnudo, que iría desapareciendo poco a poco.
  7. Uso de catacumbas, que derivaría en panteones públicos.

INTRODUCCIÓN A LA ASIGNATURA.

"ARTE ES TODO AQUELLO QUE NOS PERMITE EXPRESAR NUESTROS SENTIMIENTOS...NOS MOTIVA  A RECREARNOS Y RECREAR A OTROS MEDIANTE EL USO DE ...